HISTORIA, ARTE Y DISEÑO PARA ESCUELAS DE ARTE

APUNTES | Fundamentos del Arte. Bloque III (Grecia)

in Fundamentos del Arte by
1- Grecia entre
Egipto y Persia
•Los griegos nunca constituyeron una nación o estado unitario en el sentido moderno del término.
• Se trataba más bien de un conjunto de tribus que tenían en común la lengua, la creencia en unos mismos dioses y mitos ancestrales, así como unos mismos antepasados. Es decir, compartían una misma
cultura.
  Nunca llegaron a constituir un estado homogéneo y siempre estuvieron organizados políticamente en “Polis” o “Ciudades-Estado” independientes entre sí y, a menudo, rivalizando entre ellas en continuas guerras.

LOS ANTECEDENTES
HISTÓRICOS (IV – I Milenio AC.):
· CULTURA
CICLÁDICA
• LA CIVILIZACIÓN CRETENSE
• LA CIVILIZACIÓN MICÉNICA
 
2-POLITICA  Y ARTE: EL PARTENÓN
ETAPAS DEL ARTE
GRIEGO:
• LA POLIS
ARCAICA (S. VIII – VI AC.
Se establecen los principios estéticos del
arte griego
• LA POLIS
CLÁSICA (S. V-IV AC.)
Perfección absoluta en el concepto de belleza
griego
• LA ETAPA HELENÍSTICA (S. IV-II AC.) (Del Imperio
de Alejandro Magno a los Reinos Helenísticos)
Sus manifestaciones más importantes son en
arquitectura y escultura. Características generales del Arte Griego:
  •                         El
    cuerpo humano (masculino) es el fundamento de toda belleza.
  •                         La
    belleza es algo objetivo, cuando cumple unas medidas,
  •                         proporciones
    y simetría.
  •                         Existe
    armonía. 
  •                         Belleza
    en la imitación de la naturaleza, pero es un naturalismo idealizado.

 

 
           
EE 2.1
LA ARQUITECTURA GRIEGA ELEMENTOS CONSTITUTIVOS
Características generales  Alcanza una perfección técnica con clara
influencia en toda Europa: Roma, Renacimiento, Neoclasicismo, movimiento
moderno. 
Materiales: piedra y mármol.
Relación con el espacio exterior: Importancia
del exterior; menor preocupación por los interiores.
La belleza es proporción, armonía.
Arquitectura arquitrabada.
                        Elementos:
basamento, columnas,
                        entablamento,
cubierta o frontón. 
                        Elementos
decorativos: relieve y pintura. 
                        Correcciones
ópticas. (éntasis en las columnas) 
Diferentes tipologías (santuarios,
teatros, templos, ciudades y edificios civiles).
Su evolución pasa por:
            -Época
arcaica (siglos VIII-VI a.C.):
Formación. Surgen los órdenes dórico y  jónico.
            -Época
clásica (siglo V a.C.):
perfección. Acrópolis de Atenas (Partenón,
Erecteion, Atenea Niké, Propileos).
 
            -Época
postclásica (siglo IV.C.):
Ruptura de la norma clásica. Linterna de
Lisícrates, tholos y construcciones monumentales.
            -Época
helenística (siglos IV-I a.C.):
influencia oriental. Construcciones muy
complejas, decoradas, orden corintio. Altar de Zeus en Pérgamo.
El Partenón.
La Acrópolis, y
dentro de ella, el Partenón, constituyen el emblema de la ciudad de Atenas. La
situación de la ciudad y su fortaleza (acrópolis) tienen su origen en la
mitología, según la cual, en la
Acrópolis la diosa Atenea
ordenó fundar la
ciudad, tras
vencer al dios Poseidón con el
que luchó para conseguir el
control
de la región del Ática.
Así se convirtió la Acrópolis,
desde tiempos
inmemoriales, en un lugar sagrado, sede de la diosa epónima de Atenas y por lo
tanto en objeto de atención especial para los gobernantes de la polis. Debemos
tener en cuenta que para los griegos política y religión estaban muy unidas.
En concreto, los años
de gobierno de Pericles en Atenas (461-429 a.C.), tuvieron un esplendor y
brillantez inextinguibles. Esplendor político tras la derrota de los persas
(Guerras Médicas), esplendor económico (desde Atenas se administrará el tesoro
de la Liga de Delos) y esplendor artístico que culmina con la reconstrucción
del conjunto de la Acrópolis previamente arrasada por los persas. Una
reconstrucción que supone casi medio siglo de febril actividad: el primer
monumento que se empezó a construir en la Acrópolis el año 447 fue el Partenón,
seguido de los Propileos, del templo de Atenea Niké, y del Erecteion, cuyas
obras concluyen hacia el 406 a.C.
 
Para el diseño y
construcción del Partenón, se llamaron a los artistas más importantes de la
región, como los arquitectos Ictinos y Calícrates, que se encargarían del
edificio, y el escultor Fidias que realizó todo el programa escultórico para
decorarlo.
 
Desde el punto de
vista formal, el Partenón es un templo octástilo, anfipróstilo y períptero. La
cronología la tenemos asegurada por inscripciones que fijan el comienzo de las
obras en el curso del año 447 y el final en el 438 a.C.; duración breve cuando
se piensa en la magnitud de la obra, toda ella realizada en mármol pentélico.
El templo se
construye en orden dórico, pero más estilizado que los edificios dóricos que ya
existían. Se observa una ampliación de la columnata en relación a otros templos
dóricos y la ampliación considerable de la cella o naos, denotando un nuevo
sentido del espacio, pues el conjunto resulta más grandioso y unitario. En
parte la causa que provoca este nuevo sentido del espacio y que modifica
sensiblemente las proporciones de la cella, es el colosalismo de la estatua de
Atenea Partenos fabricada en oro y marfil por Fidias y con una altura de 11
metros.
Respecto a la
decoración, lo que realmente manda, a efectos cromáticos, es la calidad
inigualable del mármol pentélico, cuya transparencia y blancura definen el
núcleo de la obra. Triglifos, mútulos, gotas, iban pintados de azul, como es
frecuente en los elementos verticales, mientras las molduras horizontales, banda
que corre por debajo de los triglifos, listel superpuesto a ellos, iban
decorados con un meandro dorado sobre fondo rojo. Los casetones del techo
quedaban enmarcados por motivos vegetales, ocupado el centro por una palmeta
sobre fondo azul. Policromada iba también la decoración escultórica: metopas
del friso dórico, friso jónico y frontones
EE 4-1 Los órdenes arquitectónicos
Dórico: sin basa, columna robusta, fuste en arista
viva, éntasis, capitel sencillo, arquitrabe de una sola pieza, friso dividido
en triglifos y metopas. 
Jónico: con basa, columna esbelta, fuste
acanalado, sin éntasis, capitel con volutas, arquitrabe dividido en tres fajas,
friso continuo (puede estar decorado). 
Corintio: similar al jónico, capitel con hojas de
acanto.
 
Templos:
Tipos Próstilo, anfipróstilo, periptero, templos
circulares o tholos.
Partes del
templo griego:
Pórtico
o Pronaos,
vestíbulo que precede a la naos, se trata en realidad de la
prolongación longitudinal de los muros de la cella o naos, rematados con una
especie de pilastras denominadas «antas».
Naos o cella, cámara central generalmente de forma
rectangular, con tres naves separadas por columnas, donde se aloja la estatua
del dios.
Opistódomos, cámara situada en la parte posterior del
templo en la que se guardaban los objetos de culto y el tesoro. No tenía
comunicación directa con la cella o naos y el acceso se realizaba desde la
parte posterior del templo. Esta cámara sólo se encuentra en los templos de
mayor tamaño.
 
3  Religión y arte. Fidias
EE
5.1 la simbología de las deidades griegas
NOMBRE  GRIEGO
NOMBRE  ROMANO
SIMBOLOGÍA
ICONOGRAFIA     
AFRODITA
VENUS   
Diosa del
amor, la belleza y el deseo. Los símbolos incluyen la paloma, el pájaro, la
manzana, la abeja, el cisne, el mirto y la rosa. Hija de Zeus y  Dione, o tal vez nacida de la espuma del
mar después de que la sangre de Urano goteara sobre la tierra y el mar tras
ser derrotado por su hijo menor Crono. Casada con Hefesto, aunque tuvo muchas
relaciones adúlteras, en especial con Ares.
APOLO
FEBO
Dios de la
luz, el sol, el conocimiento, la música, la poesía, la profecía y el tiro con
arco. También considerado el dios de la medicina, de las profecías. Los
símbolos incluyen el sol, la lira, el arco y la flecha, el cuervo, el delfín,
el lobo, el cisne y el ratón. Hermano gemelo de Artemisa. Hijo menor de Zeus
y Leto
ARES
MARTE
Dios
de la guerra, la violencia y el derramamiento de sangre. Los símbolos
incluyen el jabalí, la serpiente, el perro, el buitre, la lanza y el escudo
se le suele representar con casco. Hijo de Zeus y Hera, todos los otros
dioses (con exclusión de Afrodita) lo despreciaban. Su nombre latino, Marte,
nos dio la palabra «marcial».
AFRODITA
VENUS   
Diosa del amor, la belleza y el deseo.
Los símbolos incluyen la paloma, el pájaro, la manzana, la abeja, el cisne,
el mirto y la rosa. Hija de Zeus y
Dione, o tal vez nacida de la espuma del mar después de que la sangre
de Urano goteara sobre la tierra y el mar tras ser derrotado por su hijo
menor Crono. Casada con Hefesto, aunque tuvo muchas relaciones adúlteras, en
especial con Ares.
APOLO
FEBO
Dios de la luz, el sol, el conocimiento,
la música, la poesía, la profecía y el tiro con arco. También considerado el
dios de la medicina, de las profecías. Los símbolos incluyen el sol, la lira,
el arco y la flecha, el cuervo, el delfín, el lobo, el cisne y el ratón.
Hermano gemelo de Artemisa. Hijo menor de Zeus y Leto
ARES
MARTE
Dios de la guerra, la violencia y el
derramamiento de sangre. Los símbolos incluyen el jabalí, la serpiente, el
perro, el buitre, la lanza y el escudo se le suele representar con casco.
Hijo de Zeus y Hera, todos los otros dioses (con exclusión de Afrodita) lo
despreciaban. Su nombre latino, Marte, nos dio la palabra
«marcial».
NOMBRE  GRIEGO
NOMBRE  ROMANO
SIMBOLOGÍA
ICONOGRAFIA           
DEMÉTER
CERES     
Diosa de la agricultura. la naturaleza y las estaciones del año. Los símbolos incluyen la
amapola, el trigo, la antorcha y el cerdo.
Vestida y cononada. Medio hija de Crono
y Rea.
EROS
CUPIDO
El dios del amor sexual y la belleza.
También era venerado como una deidad de la fertilidad, hijo de Afrodita y
Ares. Se le representaba a menudo como niño alado portando una lira o un arco
y una flecha. Es a menudo acompañado por delfines, rosas y antorchas.
HADES
PLUTÓN
Dios del inframundo, de los muertos y
las riquezas de la tierra («Pluto» se traduce como «el rico»). Robó a
Perséfone de la Tierra y la convirtió en su esposa en el inframundo, de donde
la dejaba salir cada seis meses para reunirse con su madre.
HEFESTOS
VULCANO
Dios del fuego y de los metales
Los símbolos incluyen el fuego, el
yunque, el hacha, el burro, el martillo, las tenazas y la codorniz. Hijo de
Hera, con Zeus o sin él. Después de que él naciera, sus padres le arrojaron
fuera del monte Olimpo, aterrizando en la isla de Lemnos. Casado con Afrodita
HERA
JUNO
Reina de los dioses y diosa del
matrimonio y la familia. Los símbolos incluyen el pavo real, la granada, la
corona, el cuco, el león y la vaca. Hija menor de Crono y Rea. Esposa y
hermana de Zeus. Siendo la diosa del matrimonio, con frecuencia trata de
vengarse de las amantes de Zeus y sus hijos.
HERMES
MERCURIO
Mensajero de los dioses. Protector de
los viajeros y comerciantes. Los símbolos incluyen el caduceo (vara
entrelazada con dos serpientes), las sandalias y el casco alados, la cigüeña
y la tortuga (cuyo caparazón usó para inventar la lira). Hijo de Zeus y la
ninfa Maia.    
NOMBRE  GRIEGO
NOMBRE  ROMANO
SIMBOLOGÍA
ICONOGRAFIA           
HESTIA
VESTA    
Diosa del fuego del hogar. cuando Dioniso llegó al monte Olimpo ella le cedió su lugar en los
doce para evitar discordias..
    
Se la representa vestida y cubierta por
un velo.
POSEIDÓN
NEPTUNO                 
Dios del mar y de las aguas
Los símbolos incluyen el caballo, el
toro, el delfín y el tridente. Medio hijo de Crono y Rea. Hermano de Zeus y
Hades. Casado con la nereida Anfítrite, aunque, como la mayor parte de dioses
masculinos griegos, tuvo muchos amantes.
ZEUS
JÚPITER
Dios del cielo y de los fenómenos
atmosféricos. Dios supremo del Olimpo.                
Hijo menor de los titanes Crono y Rea.
Los símbolos incluyen el rayo, el águila, el roble, el cetro y la balanza.
Hermano y marido de Hera, aunque tuvo muchos amantes.
EE 3.1
Escultura,  Evolución de la forma
ESCULTURA GRIEGA
 Épocas
Características
generales
Características
del periodo
Obras y
autores
Período
arcaico (siglos VIII-VI a.C.)
Características
generales 
Importancia
del HOMBRE.
 El CÁNON: belleza, número, proporción.
 
Materiales:
piedra o mármol; bronce. Técnica crisoelefantina. 
Escultura de
bulto redondo. Relieves: adaptación al marco arquitectónico.
 
Escultura
policromada.
Evolución:
desde la simplicidad arcaica hasta el barroquismo helenístico.
Función
religiosa.  Influencias  egipcias y persas.   Hieratismo, frontalidad, geometrización,
sonrisa arcaica
kuroi y
korai
Templo de
Afaia en Egina
Moscóforo
La dama de
Auxerre
Período
clásico (ss. V-IV a.C.)
Primer
clasicismo (estilo severo): etapa de transición, se abandona la frontalidad.
Idealismo y expresión contenidas (equilibrio entre el “ethos” y “pathos”).
Plenitud del
Clasicismo (segunda mitad siglo V a.C.): naturalismo e idealización. Búsqueda
de la belleza ideal. Armonía y proporción. Dominio total de la anatomía.
Segundo
clasicismo (siglo IV a.C.): menor majestuosidad, canon estético más
estilizado, se acentúa el naturalismo, aparece el desnudo femenino. Se busca
la belleza a través de lo diverso y expresivo. o Praxíteles (estilo hedonista
-El Auriga
de Delfos
-Mirón
Fidias
Policleto
Praxíteles
-Skopas
Lisipo
Período
helenístico (ss. IV-I a.C.)
Realismo;
sentimiento (pathos); barroquización; mayor expresividad; gusto por lo
dramático y anecdótico.  Temas
variados: retrato, desnudo femenino, temas de género (personajes humildes)
Venus de Milo
Victoria de Samotracia
Laooconte y sus hijos
 
 
El canon de
Policleto y Lisipo
El Canon es un tratado teórico escrito por
Policleto que en la actualidad está casi totalmente perdido. En él se detalla
su sistema de composición escultórica y define la distribución proporcional
como la correspondencia funcional de las partes y los miembros del cuerpo
humano.
El tema central de la obra es el hombre perfecto
entendido no sólo como perfección física sino como identificación de lo bello,
a través de la simetría y la proporción, con lo bueno. La armonía, relación de
las partes con el conjunto, era formulada a través de relaciones numéricas
atendiendo a un sentido pitagórico de la proporción como orden divino.
 
 

 

 

6-
Cerámica griega: iconología, recursos
ornamentales. Técnicas
EE
6.1. Compara la evolución cronológica de la cerámica griega.
Cerámica griega
Características
Son recipientes que
tienen una utilidad, que determina su forma, pero también en ellas se busca
la belleza por ello se decoraban.
Elaborados en talleres
donde participaban dos clases de artistas: alfareros y pintores.
Son un hermoso modo de
conocer el universo griego, en ellos podemos ver escenas que van desde  la religión, al hogar, desde la guerra a la
literatura.
Estilos
Precedentes Período
Geométrico. Siglos IX – VIII a. C.
  figuras geométricas
  rojo y negro
  figuras animales y humanas estilizadas
Período orientalizante. Siglos VII y VI a.C. :
•imágenes más complejas
•mayor colorido.
Desde mediados del
Siglo VI
Los vasos de figuras
negras, como su nombre indica, se decoran empleando ese color para las
figuras, dejando el fondo del color de la arcilla.
A finales del S. VI
Los vasos del estilo de
figuras rojas pintan el fondo en negro y dejan del color de la arcilla las
figuras, los detalles de estas también están perfilados en negro
El pintor de Andócides
Era un artista griego
decorador de cerámicas que vivía en la región de Atenas hacia finales del siglo
VI a. C., en actividad del 535 al 515 a. C.,
aproximadamente. Designado por el nombre de un alfarero para el que trabajó. Su
importancia es crucial en la historia de la cerámica griega antigua, pues es
considerado por la mayor parte de los especialistas como el inventor y el
primer usuario de la técnica de pintura sobre cerámica llamada figuras rojas
que sustituiría completamente a la antigua técnica de figuras negras, salvo las
técnicas mixtas, como por ejemplo la técnica de fondo blanco.
Andócides tuvo la idea de invertir
radicalmente el procedimiento y reservar en negro brillante el fondo en lugar
de siluetas de figuras como antes. De esta manera, el color rojo de la tierra
era el fondo absorbente sobre el que eran pintados en negro los detalles de los
personajes con un pincel fino, lo que permitía una fineza más grande de
detalles que la incisión con buril o con estilo sobre las siluetas de antes.
 
7- Teatro
Griego: arquitectura, temas y recursos iconográficos
Orígenes y función. El origen del
teatro griego está íntimamente ligado al culto que los griegos rendían a
Dioniso y alcanza su plenitud durante el siglo V a.C. con las obras de Esquilo,
Sófocles, Eurípides y Aristófanes.
  En las
fiestas dionisíacas tenían lugar representaciones en honor al dios que dieron
lugar a la tragedia y comedia griegas.
Pero el teatro evolucionó desde estos inicios, en los que el coro tenía
un protagonismo absoluto. Poco a poco personajes concretos se independizaron
hasta convertirse en el centro de las representaciones que terminaron
apartándose del culto a Dioniso.  El
teatro desempeñó un importante papel en la vida de los griegos: la tragedia era
un medio de purificación y a través de la comedia se realizaba una dura crítica
de las costumbres y personajes del momento.
Los teatros griegos están presentes en toda la
Grecia continental e insular, así como en Magna Grecia y Asia Menor.
 
Los teatros se construían en la ladera de una
montaña, para poder apreciar la obra representada. Ningún teatro griego está en
terreno llano
Partes del Teatro:
«ORCHESTRA»
Espacio circular o mayor de un semicírculo de
tierra lisa y compacta, situado al aire libre, donde el coro bailaba y cantaba.
SKENÉ»
Zona de forma rectangular alargada y estrecha con
el lado mayor de cara al público situada detrás de la «orchestra» y elevada
tres metros por encima de la misma mediante una plataforma de tablas sostenida
por una columnata.
En la parte posterior se ubicaba una construcción de madera
que servía a la vez de decorado, de bastidores y de camerinos para los
actores.

«KOILON»
«Koilon» o graderío significa «lugar desde donde
se contempla».
Es el espacio de forma semicircular reservado para el público.
Siempre se utilizaba la falda de una colina que se acondicionaba con asientos
de madera o de piedra. El graderío se dividía en sectores («kerkís»).
Para
facilitar el paso del público existían uno o dos pasillos semicirculares
(«diazoma») y escaleras.


Descripción
del Teatro Griego su influencia en el teatro actual.
CARACTERISTICAS
GÉNEROS
OBRAS/AUTORES
EDIFICIO
GRECIA
Finalidad ritual culto a Dionisos.
Gran importancia.
No se cobra.
Gran calidad complejidad de acción e intensidad
dramática.
Mayor influencia en literatura posterior
Sobre todo Shakespeare
– Gran importancia dramática del coro.
Tragedia: importancia del destino, los dioses
intervienen.
Purificación espiritual para los asistentes.
Pues era un rito religioso
Comedia refleja los vicios humanos.
Tragedia:
Esquilo
-La Orestiada
Sófocles
-Antígona
-Edipo Rey
Euripides: Medea
Comedia
Aristófanes:
-Lisístrata
Las Aves
Menandro
-De forma semicircular en aprovechando el desnivel
de ladera de montaña.
-importancia del coro.
-El espacio del público es mayor que el escenario
2/3 del total
ACTUALIDAD
Finalidad entretenimiento
se cobra entrada.
Entra en competencia con otros espectáculos.
Los actores son personajes conocidos
Por el gran publico son el reclamo utilizado para
atraer al publico
A los géneros tradicionales griegos  se añaden nuevos como los musicales, los
monólogos, performances.
Se representan piezas griegas  en su forma original y también
enmarcándolas en situaciones  actuales.
-Se utilizan en verano los teatros originales para
representación de piezas clásicas.
-Edificio creado ex profeso para la celebración de
espectáculos se valora el interior del recinto mas que su arquitectura
exterior.
-Se representa en espacios cerrados.
– Mas espacio para escena, el publico se sitúa en
varias zonas, butacas, palcos.

 

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