HISTORIA, ARTE Y DISEÑO PARA ESCUELAS DE ARTE

Goya, un genio entre dos siglos

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Francisco de Goya y Lucientes (Fuendetodos, provincia de Zaragoza, 30 de marzo de 1746-Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la pintura contemporánea y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipiente neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década, junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magisterio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, mientras que el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

Bóveda de San Antonio de la Florida

La Ermita de San Antonio de la Florida Uno de los secretos ocultos de Madrid, que alberga los magníficos frescos pintados por Goya en 1798.

Los desastres de la guerra es una serie de 82 grabados del pintor español Francisco de Goya, realizada entre los años 1810 y 1815. El horror de la guerra …

Grabado perteneciente a los Desastres de la Guerra

Gran popularidad tiene su Maja desnuda, en parte favorecida por la polémica generada en torno a la identidad de la bella retratada. De comienzos del siglo XIX datan también otros retratos que emprenden el camino hacia el nuevo arte burgués.

Al final del conflicto hispano-francés pinta dos grandes cuadros a propósito de los sucesos del levantamiento del dos de mayo de 1808, que sientan un precedente tanto estético como temático para el cuadro de historia, que no solo comenta sucesos próximos a la realidad que vive el artista, sino que alcanza un mensaje universal.

Pero su obra culminante es la serie de pinturas al óleo sobre el muro seco con que decoró su casa de campo (la Quinta del Sordo), las Pinturas negras. En ellas Goya anticipa la pintura contemporánea y los variados movimientos de vanguardia que marcarían el siglo XX

El dos de mayo de 1808 en Madrid, pareja de Los fusilamientos. En ambos se representa la pelea de los españoles contra las tropas de Francia, así como la represión que los invasores usarán a modo de escarmiento.

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Las pinturas negras de Goya

Pinturas negras (1819-1823) es el nombre que recibe una serie de catorce obras murales de Francisco de Goya, pintadas con la técnica de óleo al secco (sobre paredes recubiertas de yeso). Las creó como decoración de los muros de su casa, llamada la Quinta del Sordo, que había adquirido en febrero de 1819. Estos murales fueron trasladados a lienzo a partir de 1874, y actualmente se conservan en el Museo del Prado de Madrid.

El aquelarre

La serie, a cuyos óleos Goya no puso título, fue catalogada en 1828 por el amigo de Goya Antonio de Brugada y se compone de los siguientes lienzos: Átropos o Las Parcas, Dos viejos o Un viejo y un fraile, Dos viejos comiendo sopa, Duelo a garrotazos o La riña, El aquelarre, Hombres leyendo, Judith y Holofernes, La romería de San Isidro, Dos mujeres y un hombre, Peregrinación a la fuente de San Isidro o Procesión del Santo Oficio, Perro semihundido o más simplemente El perro, Saturno devorando a un hijo, Una manola: doña Leocadia Zorrilla y Visión fantástica o Asmodea.

El Coloso

La casa de Goya, junto con las pinturas murales, pasaron a ser propiedad de su nieto Mariano Goya en 1823, año en que Goya se la cede, al parecer para preservar la propiedad de posibles represalias tras la restauración de la monarquía absoluta y la represión de liberales fernandina. Durante 50 años la existencia de las Pinturas negras fue escasamente conocida . A partir de 1874, y en un lento proceso que duró varios años, fueron trasladadas de revoco a lienzo por un banquero francés, de origen alemán, que tenía intención de presentarlas en la Exposición Universal de París de 1878. Después, él mismo las donó, en 1881, al Museo del Prado, donde actualmente se exponen.

En todo caso la única unidad constatable entre estos óleos son las constantes de estilo.

La composición de estos cuadros es muy novedosa. Las figuras suelen aparecer descentradas, siendo un caso extremo Cabezas en un paisaje, donde cinco cabezas se arraciman en la esquina inferior derecha del cuadro, apareciendo como cortadas o a punto de salirse del encuadre. Tal desequilibrio es una muestra de la mayor modernidad compositiva.

Las Parcas

Muchas de las escenas de las Pinturas negras son nocturnas, muestran la ausencia de la luz, el día que muere. Se aprecia en La romería de San Isidro, en el Aquelarre, en la Peregrinación del Santo Oficio (una tarde ya vencida hacia el ocaso), y se destaca el negro como fondo en relación con esta muerte de la luz. Todo ello genera una sensación de pesimismo, de visión tremenda, de enigma y espacio irreal.

Las facciones de los personajes presentan actitudes reflexivas o extáticas. A este segundo estado responden las figuras con los ojos muy abiertos, con la pupila rodeada de blanco, y las fauces abiertas en rostros caricaturizados, animales, grotescos.

Contemplamos el tracto digestivo, algo repudiado por las normas académicas. Se muestra lo feo, lo terrible; ya no es la belleza el objeto del arte, sino el pathos y una cierta consciencia de mostrar todos los aspectos de la vida humana sin descartar los más desagradables. No en vano Bozal habla de una capilla sixtina laica donde la salvación y la belleza han sido sustituidas por la lucidez y la conciencia de la soledad, la vejez y la muerte.

Perro semihundido

Como en todas las Pinturas negras, la gama cromática se reduce a ocres, dorados, tierras, grises y negros; con solo algún blanco restallante en ropas para dar contraste y azul en los cielos y en algunas pinceladas sueltas de paisaje, donde concurre también algún verde, siempre con escasa presencia.

Todos estos rasgos son un exponente de las características que el siglo XX ha considerado como precursoras del expresionismo pictórico.

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Etapas y temática de sus obras

Goya es un artista que no permaneció fiel a un solo estilo, sino que refleja en sus obras diversos estilos pictóricos. En su evolución como artista se muestra como un innovador e investigador, que cultivó todos los géneros y técnicas. Goya comenzó siendo un pintor inmerso en el Barroco decorativo. No obstante, pronto evolucionó hacia un estilo neoclásico, creando un estilo propio y personal. Pero con sus últimas obras penetró en los nuevos conceptos sociales y pictóricos del siglo XIX, a la vez que prefiguró muchos de los avances artísticos del siglo XX. Goya anticipó con su arte las pautas del arte contemporáneo, mereciendo la calificación del crítico André Malraux de “Goya es el padre del arte moderno”.

Formación y primeras obras (1763-1781). Su formación barroca en Zaragoza bajo las enseñanzas de Francisco Bayeu y un período en Roma, marcaron las pautas de esta primera etapa. Goya comenzó trabajando en un estilo cercano al Barroco tardío, con un cromatismo de tonos ocres y tostados, recurriendo a un concepto de color suelto y desecho, y una pincelada rápida y de toques abocetados. En 1774, Goya se trasladó a Madrid, a la corte, donde pintó unos cartones para la Real Fábrica de Tapices, destinados a decorar los palacios reales. En estos cartones, cuyas muestras más notables son El quitasol (1777) y La gallina ciega, Goya plasma su estilo que deriva del Barroco tardío, con colores suaves y armonizados, con elegancia, gracia y delicadeza. En los cartones plasma situaciones cotidianas, de ocio, de la vida de la nobleza madrileña, con una visión idílica, dulce y festiva. Eran obras de temática cotidiana, aristocrática, en las que alternó sabiamente una gama cromática viva para darle mayor animación a las escenas, introduciendo claridad en el paisaje.

Etapa de madurez (1781-1814). Ante su notable progresión artística, Goya comenzó a trabajar como retratista para la Corte. En este momento su pintura comenzará a evolucionar hacia planteamientos neoclásicos. Los retratos que realizó Goya de los miembros de la familia real son fieles a la realidad psicológica de los personajes representados, reproduciendo detalles y hechos objetivos. Retrata a los monarcas y sus familiares con una absoluta crudeza y en ocasiones desde la crítica: es decir, los miembros de la Corte de Carlos IV aparecen retratados vulgarizados y casi decadentes, como espejo de la ruina moral y política que vivía España a finales del s. XVIII. Mientras que Velázquez siempre trató a sus retratados con gran dignidad, Goya ridiculizaba la ineptitud de los miembros de la familia. Así se plasma en La familia de Carlos IV de 1800. La familia real aparece en traje de corte, con lujosos vestidos ceremoniosos. Las figuras se disponen alineadas, como en un friso, en una composición clasicista ante una pared que cierra el fondo, evitando una perspectiva profunda. La luz crea el espacio, resaltando los personajes principales y dejando en penumbra algunas áreas del cuadro. En esa oscuridad está el propio pintor ante el lienzo, en un recurso que recuerda a Las meninas de Velázquez, pintor al que Goya admiraba. En cuanto a la técnica, Goya trabaja sobre todo con luz y el color; sus pinceladas resaltan las texturas y transparencias de los materiales, y destacan los brillos. Coetáneamente realizó el Retrato de Godoy, en el que el Secretario de Estado de Carlos IV aparece representado en una pose licenciosa elocuente de su carácter y el retrato de la Condesa de Chinchón, donde se aprecia la tierna debilidad psicológica de la retratada.

Últimas obras (1814-1828). En 1819 Goya compró una casa en las afueras de Madrid, la Quinta del Sordo. Para su decoración, el maestro realizó 14 pinturas entre 1820 y 1822, denominadas Pinturas Negras. Son pinturas que tratan temas oscuros, grotescos y terroríficos (aquelarres, duras críticas sociales, asesinatos, luchas fraticidas…), que muestran el estado de desconsuelo y desesperación que Goya vivía en esos años. Estas pinturas están envueltas por una siniestra negrura, en tonos y temas oscuros. Son pinturas casi monócromas, de colores apagados, con figuras monstruosas construidas a base de manchas y pinceladas sueltas. El pintor plasma en ellas lo grotesco y lo terrorífico, con rostros atormentados de gran dramatismo. Estas pinturas han sido calificadas como un precedente de corrientes pictóricas del siglo XX como el Expresionismo y el Surrealismo. Entre las más conocidas se encuentran Saturno devorando a su hijo, el Aquelarre, El coloso (1812, previo a las pinturas negras pero de idéntico espíritu que ellas), Lucha a garrotazos, La romería de San Isidro y el Perro semihundido. En Saturno devorando a su hijo plasma el poder destructor del hombre con respecto a sí mismo, en El Coloso quizá a una multitud aterrorizada que huye ante un gigante que quizá representa a la guerra. En Aquelarre Goya vuelve a abordar un tema recurrente en su pintura, la denuncia de las prácticas mágicas y supersticiosas del pueblo español de finales del s. XVIII. La obra está compuesta por una masa informe de figuras situada ante el gran macho cabrío con su ayudante y una novicia en el extremo derecho. Las mujeres están pendientes de la figura demoníaca, en una escena que parece fruto de una alucinación, realizada a grandes pinceladas sueltas, de caras y cuerpos distorsionados, en una gama oscura muy contrastada. La Romería de San Isidro es una denuncia de las prácticas festivas aristocráticas de la sociedad madrileña, que contrasta formal y temáticamente con sus iniciales cartones para tapices. El Perro semihundido es una obra enigmática, en la que Valeriano Bozal ha visto reflejada la condición humana, semihundida, emergente o caída, en mitad de un paisaje desolador ocupado por el vacío, que por otra parte, acerca a Goya a las tendencias más radicales de la pintura abstracta del s. XX.

Principales obras

Merienda a orillas del Manzanares (1776)

Representa una escena popular a orillas del río Manzanares en Madrid. Al fondo, oculta por los arbustos, se observa la Ermita de la Virgen del Puerto. El bodegón posee rasgos finos característicos del Goya joven. El flirteo entre la naranjera y los majos raya en los temas que la princesa María Luisa de Parma deseaba para los cartones. La segunda serie de tapices de Goya posee temáticas campestres y está compuesta de poco más de diez cartones.

La gallina ciega (1778)

Diez majos y majas juegan a la gallina ciega a orillas delManzanares. Fue el único cartón del que se pintó su tapiz correspondiente, destinado al dormitorio de las Infantas en el Palacio del Pardo. El juego era conocido también como «del cucharón», además de ser un recurrente pasatiempo de la nobleza y tema predilecto del rococó.Diez majos y majas juegan a la gallina ciega a orillas del Manzanares. Fue el único cartón del que se pintó su tapiz correspondiente, destinado al dormitorio de las Infantas en el Palacio del Pardo. El juego era conocido también como «del cucharón», además de ser un recurrente pasatiempo de la nobleza y tema predilecto del rococó.

Las dos majas (1798)

Maja vestida : El traje blanco de esta Maja se ciñe de tal forma a la figura, en particular el sexo y los pechos, que parece más desnuda que la otra. La cintura la resalta mediante una lazada rosa. La nota de color del cuadro la pone la chaquetilla corta o bolero, similar al de los toreros, de mangas anaranjadas con los puños rematados con encaje negro. Lleva zapatos dorados de pequeño tamaño.

Maja desnuda: Aunque se ubica dentro de la estética del neoclasicismo,como otras del mismo pintor, esta obra de Goya es audaz y atrevida para su época, como audaz es la expresión del rostro y actitud corporal de la modelo, que parece sonreír satisfecha y contenta de sus gracias. Más aún, es la primera obra de arte (conocida) en la cual aparece pintado el vello púbico femenino, lo cual resalta el erotismo de la composición.

Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente, y junto a esa luminosidad la típica expresividad que Goya sabe dar a los ojos.

La familia de Carlos IV (1880)

Aparecen retratados, de izquierda a derecha, los siguientes personajes: Carlos María Isidro, hijo de Carlos IV y María Luisa de Parma; el futuro Fernando VII, hijo primogénito de la real pareja; Goya pintando, como había hecho Velázquez en Las Meninas; Doña María Josefa, hermana de Carlos IV; un personaje desconocido que podría ser destinado a colocar el rostro de la futura esposa de Fernando cuando éste contrajera matrimonio, por lo que aparece con la cabeza vuelta; María Isabel, hija menor de los reyes; la reina María Luisa de Parma en el centro de la escena, como señal de poder ya que era ella la que llevaba las riendas del Estado a través de Godoy; Francisco de Paula de la mano de su madre, de él se decía que tenía un indecente parecido con Godoy; el rey Carlos IV, en posición avanzada respecto al grupo; tras el monarca vemos a su hermano, Don Antonio Pascual; Carlota Joaquina, la hija mayor de los reyes, sólo muestra la cabeza; cierra el grupo D. Luis de Parma; su esposa, María Luisa Josefina, hija también de Carlos IV; y el hijito de ambos, Carlos Luis, en brazos de su madre.

Los fusilamientos del 3 de mayo (1814)

Es una pintura al óleo sobre un gran lienzo. La luz es una característica muy importante. Como la acción se desarrolla por la noche al aire libre, la luz proviene de un candil y enfoca directamente al reo. La composición gira entorno a un primer plano en el que se encuentran los soldados franceses fusilando, el reo y algunas personas a su alrededor; y un segundo plano en el que quedan el paisaje del fondo que intuimos que se trata de la ciudad de Madrid.

Saturno devorando a sus hijos (1820-1823)

Es una pintura al óleo sobre un lienzo de pequeño formato. La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente a la cara de Saturno y al cuerpo de su hijo. Es una luz ciega que deja oscurecido el fondo dando así una sensación de tenebrismo. La composición gira entorno a un único plano en el que se sitúa Saturno devorando a la víctima. La sensación de profundidad viene marcada por el oscuro del fondo. Apreciamos un movimiento violento tanto en la postura que adopta Saturno, como en su boca.

Conozcamos mejor algunos cuadros de Goya

Hace ya varios años, RTVE publicó una serie de vídeos sobre las principales obras de muchos artistas españoles. Aquí te dejo los de Goya para que los veas y aprendas un poco más sobre su pintura.

LA FAMILIA DE CARLOS IV

LA LECHERA DE BURDEOS

EL AQUELARRE

DUELO A GARROTAZOS

SATURNO DEVORANDO A SU HIJO

LOS FUSILAMIENTOS DE MONCLOA

LA MAJA VESTIDA

ACTIVIDADES

1. Realiza una línea del tiempo con los principales acontecimientos y obras de Francisco de Goya

2. Resume y explica las principales características y obras de las pinturas negras de Goya

3. Elige uno de los vídeos que te he puesto en la entrada y haz un resumen del mismo

4. Busca la temática de las pinturas de Goya y señala una obra representativa de las mismas

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