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Apuntes Fundamentos del Arte II: El Cubismo

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La aparición del cubismo supone uno de los momentos más importantes de la historia del arte occidental desde el Renacimiento. El cubismo representa la destrucción de las convenciones espaciales que impusieron su dominio en la pintura y, al mismo tiempo, la creación de una nueva forma de concebir el cuadro y el espacio.

El cubismo. Características y cronología

Como corriente artística, el cubismo nace en París a principios del siglo XX. Su denominación data de 1908 cuando el crítico Louis Vauxcelles en la revista Gil Blas, habla de cubos, para referirse en tono peyorativo a la técnica que observó en una exposición de Braque en la galería Kahnweiler.

Los antecedentes del cubismo, influido por el arte primitivo y africano, debemos buscarlos en el puntillismo o neoimpresionismo y sobre todo en Cézanne, quien pretendía, reducir la realidad a su última esencia geométrica: el cilindro, el cono, la esfera… Esta teoría queda reflejada en obras como Los jugadores de cartas o sus vistas de La montaña de Santa Victoria. Dos destacados cubistas, Gleizes y Metzinger, justificaban esta relación diciendo que «quien comprende a Cézanne presiente el cubismo».

Los jugadores de cartas, Cézanne

El cubismo debemos entenderlo como un proceso de investigación, casi científica, aplicado al arte plástico que se caracteriza por:

  • No renunciar en ningún momento a la planitud de la tela, del lienzo, es decir, se rompe definitivamente con la idea de la «ventana albertiana» (lo representado debe tratarse de manera ilusoria, reflejando la profundidad, la perspectiva, el modelado de las figuras).
  • La independencia definitiva del objeto artístico con respecto a la naturaleza que representa. Se elimina así uno de los objetivos principales de las artes plásticas tradicionales.
  • Introducir por primera vez en el arte plástico la cuarta dimensión, es decir, el tiempo, en un espacio de dos dimensiones como es la tela. El objeto se representará, a la vez, desde diversos puntos de vista a través de facetas o planos angulosos desde diferentes ópticas que permiten al espectador observar con una sola mirada varios aspectos de la figura.
  • Reducir la realidad a sus facetas geométricas fundamentales, lo que provocará ese aspecto de «cubos», término que contribuye a la nomenclatura del estilo.
  • La importancia de la idea pensando solo en las formas esenciales. Así, Picasso se propone, según sus propias palabras, «no solo pintar lo que se ve sino también lo que se sabe». Pintar la idea del objeto, su imagen total.

Desarrollo del Cubismo

Sin tratarse de una obra cubista propiamente dicha, Las señoritas de Avignon está considerada como la verdadera precursora del cubismo. Picasso une en ella la influencia del arte primitivo (máscaras africanas y arte íbero sobre todo), a los planos facetados y las visiones múltiples para expresar un rotundo rechazo hacia la perspectiva clásica.

Las señoritas de Avignon, Picasso

En 1908 comienza la investigación sistemática de Braque y Picasso, que irán avanzando en lo que Apollinaire denomina «cubismo científico», y que se divide principalmente en dos momentos: a) el cubismo analítico y b) el cubismo sintético.

Cubismo analítico (1910-1912). El objeto se analizará descomponiéndolo en múltiples planos, resultando una apariencia de cubos o poliedros como reflejo de la multiplicidad de ángulos de visión. La paleta cromática se irá reduciendo a pardos, tierras y grises. El camino tomado llevará a obras en las cuales las referencias con la realidad van desapareciendo, colocándose al borde de la abstracción.

La guitarra, Braque (1909)

Cubismo sintético (1912-1913). Llegados al punto de casi perder pie con la figuración, con la naturaleza, los cubistas reaccionan. A partir de ahora no se tratará de descomponer todo el objeto en facetas, sino de hacer una síntesis de sus elementos más importantes o de sus fragmentos esenciales. Los temas principales serán las naturalezas muertas (instrumentos musicales, bodegones, mesas de café…). Algunos tendrán una base de collage (papier colles). El collage es una invención surgida en mitad de las experiencias e investigaciones cubistas, para evitar de manera definitiva la «re-presentación» y presentar en el lienzo aspectos identificables de la realidad; no se representa un periódico, por ejemplo, sino que se presenta directamente el periódico pegado en el lienzo.

Guitarra y mandolina, Juan Gris

No hay duda de que los grandes creadores del cubismo son Braque (1882-1963) y Picasso (1881-1973) y, por extensión, los principales cubistas científicos, contando además con Juan Gris (1887-1929), destacado autor del cubismo sintético.

Principales artistas y obras

George Braque (1882-1963). A partir de los contactos de Braque con Picasso y del impacto que le produce Las señoritas de Avignon, se adentra en la estética cubista. Pero en Braque no encontramos saltos bruscos ni estridencias de colorido ni rupturas. Es un pintor sereno, de tonos suaves que huye de cualquier tipo de violencia compositiva o cromática: El portugués (1911).

El portugués, Braque

Juan Gris (1887-1927). El madrileño José Victoriano González, Juan Gris, es el más cerebral y cientificista de los cubistas. Se convierte en el mayor defensor del cubismo sintético, del que supone su auténtica culminación. En el proceso de construcción de sus obras invierte el proceso de su realización, ya que afirma partir de la idea y no de la realidad, mediante un proceso deductivo. Como ejemplo de su producción se puede citar Naturaleza muerta ante una ventana (1915) y Guitarra y frutero (1921).

Naturaleza muerta ante una ventana abierta, Juan Gris

Fernand Léger (1881-1955) Elabora un lenguaje cubista partiendo de formas cilíndricas (tubismo). Su pintura se opone radicalmente a la Braque por sus formas y composiciones bruscas y ásperas. Le fascina captar la vida de la civilización industrial, con su agitación, movimiento y velocidad, así como el mundo de las máquinas, como en su Mujer de rojo y verde (1913).

Mujer de rojo y verde, Léger

Pablo Picasso (1881-1973). Por supuesto debemos hacer un apartado dedicado a uno de los grandes genios de la pintura universal, Pablo Picasso. Pese a ser el gran creador del cubismo junto a Braque, una de las vanguardias más sobresalientes del siglo XX, Picasso es mucho más que un artista cubista. Así lo reconoce él mismo en su vejez, es una de «las varias maneras que he usado».

Tras sus primeras obras de formación en la Barcelona modernista, comienza su primer periodo relevante como pintor entre 1901 y 1904. Es el periodo azul, caracterizado por el predominio de la paleta fría de tonalidades azuladas y por la preferencia por los temas tremendistas y patéticos relacionados con la pobreza española del momento. Ciertos sentimientos de tristeza y melancolía invaden su obra en la cual es patente la influencia de El Greco.

La vida, Picasso (1903)

En 1904 se instala en París e inicia su periodo rosa, abandonando el patetismo inicial y la fría paleta azul, dejando paso a una serenidad más clásica y equilibrada. Ahora predominan los temas de la vida del circo que traen consigo una visión más optimista de la vida. La paleta también se hace más alegre, predominando los colores tierra, ocres y rojos. En esta época se evidencia la visión menos crispada que el artista tenía de la vida respecto a la época azul.

Acróbata y joven equilibrista con balón, Picasso (1905)

En estas dos primeras etapas de su producción, el artista malagueño muestra su vinculación al dibujo y a la estética de los grandes maestros españoles. Sin embargo, el tratamiento de los temas y la manera de abordar la realidad le convierten en un artista de vanguardia.

En París, Picasso entra en contacto con el arte africano y sus máscaras, con el arte íbero y descubre que le atraen el arte románico, El Greco y, por supuesto, Cézanne. Todo ello será decisivo en su obra posterior. A partir de 1906, se adentra en las investigaciones cubistas que le harán universalmente famoso.

En el Salón de Otoño de 1907 se expone una retrospectiva de Cézanne. La magistral lección que aparece en las obras de este autor es asimilada e interpretada con extremismo e intransigencia por Picasso y Braque.

En el caso de Picasso, el influjo cézanniano se acompaña de las formas arcaicas de la escultura ibérica y, más tarde, del arte africano.

Boceto para Las señoritas de Avignon, Picasso (1907)

En este mismo año, Picasso termina una obra que ya se puede clasificar de protocubista: Las señoritas de Avignon. La génesis de esta obra se puede seguir a través de los dibujos preparatorios. El tema es el interior de un burdel en el que las prostitutas están acompañadas por un estudiante y un marinero –estas dos figuras desaparecen en la obra definitiva- dentro de un espacio que aún se representa convencionalmente. Pero en la versión definitiva sólo aparecen cinco mujeres desnudas (en el rostro de las dos del centro se evidencian el influjo ibérico, y las de la derecha, el de las máscaras africanas). El espacio queda definido por los propios cuerpos, el bodegón y los cortinajes. Se ha suprimido la profundidad. Apenas existe la ilusión de una tercera dimensión. El concepto renacentista de situar las figuras y las formas en un espacio que nos crea la sensación de profundidad ha desaparecido. No hay punto de fuga: los conrtinajes, el bodegón y las formas del fondo invaden en bruscos ángulos los huecos espaciales que los cuerpos femeninos han dejado libres. Todo aparece en el mismo plano, sin prioridades.

Su investigación cubista se ve bruscamente frenada con el inicio la Primera Guerra Mundial. Pese a que el cubismo siempre tendrá cabida en sus obras, Picasso hará gala de infinitas posibilidades de expresión artística. En este momento realizará una serie de pinturas llamadas neoclásicas con las que regresa a la figuración, manifestando una gran influencia de los vasos griegos y la escultura grecorromana. Recupera el modelado, la forma, el interés por las composiciones sólidas y la simetría.

El Guernica, Picasso (1937)

Hacia 1925, Picasso se verá influido por las nuevas corrientes artísticas (surrealismo y expresionismo), realizando una serie de obras que causan cierta sensación de inquietud en el espectador. Quizá la obra más reconocida del maestro llegó como encargo para el pabellón de la España de la República en la Exposición Internacional de París de 1937, para el que pinta su célebre Guernica, donde recopilando los mejores elementos de su bagaje artístico crea una obra maestra, en la cual logra una imagen que muestra la esencia de la tragedia, de la crueldad y la muerte.

Las Meninas, Picasso (1957)

Su último periodo es el que dedica a reinterpretar desde su peculiar e inconfundible pincel las obras maestras de la pintura universal (Poussin, Courbet, Velázquez, Goya, Rembrandt…).

Picasso no solo fue pintor, sino que también dedicó su arte a la escultura. Sus obras de metal, normalmente de hierro, son auténticos estudios del espacio que evocan una múltiple complejidad de formas.

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